藝術賞析─《美國大都會博物館》典藏名作

胡琮淨

【精華試聽】大都會博物館 x 畫家背景 x 構圖巧思 x 創作技法 x 風格流派 x 藝術成就

 

 

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舉個例子，故宮現正展出的「從印象派到現代主義─美國大都會博物館名作展」，現場有一幅由薩爾瓦多．達利（Salvador Dalí）模仿維梅爾（Johannes Vermeer）〈花邊女工〉（The Lacemaker）的作品。儘管這幅畫是受收藏家委託創作，達利卻不虛應故事，而是懷著致敬的心情，同時也注入自己的個性。

與維梅爾原作相比，兩者在光源處理上截然不同：映在維梅爾的女子的臉龐上的是來自窗外的自然光，達利的女子更像身在有著完美打光的攝影棚中；此外，筆觸、顏料的顆粒感、畫布的材質也有出入。畫的內容是完全相同的，但維梅爾的內斂沉靜，達利奔放外向的個性，卻也都體現在它們對單一主題的處理上。

當然，這些細節得要您挪個地方才能一探究竟。胡琮淨稱之為畫作的「物質性」，那是再高解析度的數位翻拍都無法還原，因為網路上的影像終究是扁平的。「只有親臨現場，你才能感受到畫作『長』在畫布上，它不只是畫面，而是一項物件。」

一眼即知的美俯拾可得，看懂一幅畫怎麼畫，為何如此畫才是學問。當畫家的個性、社會文化、物質與技術發展階段逐次顯露，你看到的會是一個世界在眼前徐徐展開。

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本次大都會博物館名作展，以「從印象派到現代主義」為主軸，蒐羅十九世紀末至二十世紀初的多個藝術流派，從秀拉的精密點描，到野獸派畫家的奔放筆觸，展覽也進一步延伸至象徵主義、納比派、超現實主義等大眾較不熟悉的流派，呈現西方繪畫史如何從再現外部世界，逐步轉向對內在心理探究的過渡。

「這次展出的畫作，不僅要求我們以更敏感的眼睛去看待自然，也讓我們意識到顏色與感情、觀察與個性，其實從來密不可分。」

「從印象派到現代主義—美國大都會博物館名作展」由大都會博物館精心策展，自羅伯特．雷曼（Robert Lehman）先生捐贈藏品精選38位藝術家、共計81件經典名作一次來台，胡琮淨也從中挑選12件作品特別介紹，你或會感嘆：「原來畫還可以這麼看！」

瑪麗．卡薩特（Mary Cassatt）的〈梳妝台前的丹尼絲〉描繪紅褐髮色的女子在梳妝台前審視髮型，展現女性對容貌的虛榮心。卡薩特以柔和粉紅、淡紫色及輕快筆觸，勾勒女性柔美與生活瞬間，灰色背景亦增添空間質感。作為美國印象派女畫家，卡薩特融印象派與個人風格，其作品深受收藏家喜愛。

雷諾瓦（Pierre-Auguste Renoir）的〈彈鋼琴的少女〉，其陶瓷般透亮的女性膚色，源於雷諾瓦早年在陶瓷工廠的學徒經歷。畫中兩位少女如姐妹般親暱，妹妹穿白裙藍腰帶，專注彈琴；姐姐著紅洋裝，悠然倚靠鋼琴，表情形成和聲般的對比。雷諾瓦少年時期曾在畫瓷器圖樣的工坊當學徒，習慣直接下筆，因此有的時圖面透視雖並不特別精準，然而整體畫面構圖平穩，親近感十足。

本次來台為習作作品。點描派開創科學化的繪畫語言，秀拉（Georges Seurat）最終完成的〈大碗島的星期天下午〉畫面中涵蓋40人，以0.5公分色點構築巴黎中產階級的休閒生活，呈現塞納河畔大碗島的悠閒氛圍。胡琮淨指出，畫中人物的服飾反映19世紀的「快時尚」，牽猴女子暗喻高級妓女，隱藏社會階層的密語。秀拉運用光學理論，精準控制色彩與光線，水平點傳遞平靜心情，斜下點增添壓抑情緒，往上揚的點則顯快樂，其分色理論突破傳統。

高更（Paul Gauguin）的〈大溪地的出浴女子〉以熱帶色彩捕捉大溪地女性的姿態，展現大膽配色與簡化筆法，強調人體之美與異國情調。繪畫此作時，高更因事業失敗，遠赴大溪地逃避現實，最終找到了原始藝術特有的率直。胡琮淨指出，畫中的地域性生命力突破歐洲傳統，但也反映大男人主義，與浪漫化歐洲文明對殖民地的壓迫。

波納爾（Pierre Bonnard）的〈聖特羅佩舊港一景〉描繪地中海港景，黑衣女子的神祕身影喚起不安，那像是你旅行到異地，從飯店房間望向海港時猛然見到一個熟悉的身影——前女友或夢中人。納比派源自希伯來文「先知」，作為納比派創始人之一，波納爾以後印象派先鋒身份，以宛如模糊記憶或夢境的光線用色，將畫面從忠實現實轉向內心投射與瞬間心緒。

魯奧（Georges Rouault）的〈神話風景〉選擇了聖經題材「東方三博士」，卻與一般人印象中的宗教畫大相逕庭，空無一人的街道，令人聯想到幾年前COVID-19肆虐時的全球封鎖。強烈憂鬱的色彩，源自於畫家在經歷一戰、二戰後對人性失望的情緒，他只有在繪畫中才能找到神聖感及神祕感。魯奧的心理需求，反應在其畫作有如教堂鑲嵌玻璃畫般不真實的感覺，那不僅來自少年時代在彩色玻璃畫家的畫室當學徒的經歷，也是他對天堂神聖的印象。胡琮淨稱魯奧為「憂傷的詩人」，是強調情感極致表達的代表性人物。

魯東（Odilon Redon）的〈飛馬與貝勒羅豐〉以墨色炭筆畫呈現希臘神話，展示英雄貝勒羅豐馴服飛馬的場景。畫中貝勒羅豐背對觀眾，奮力馴服飛馬，炭筆的抖動筆觸賦予畫面動感，是畫家「黑色創作時期」的代表性作品。胡琮淨認為「黑色創作時期」反映畫家在普法戰爭承受的精神創傷，該作品中飛馬的桀驁不馴也象徵畫家內心的掙扎。

進入20世紀，魯東不再進行「黑色創作」，轉向受到印度教、佛教的宗教文化與日本藝術啟發，抽象的彩色畫作。與超現實主義探索潛意識與夢境，如夏卡爾（Marc Chagall）、達利與馬格利特（René Magritte）等人既唯美又滿滿怪念頭的作風不謀而合，魯東因此被認為是超現實主義的先驅。

考特（Pierre Auguste Cot）的〈春光〉描繪一對沉醉於初戀甜蜜的年輕戀人，他們坐在鬱鬱蔥蔥的魔法森林裡的一座鞦韆上，周圍的白樺樹、鳶尾花、雛菊與翩翩蝴蝶點綴其間，象徵春天的生機盎然。畫中少年深情凝視少女，少女則以羞澀的微笑和斜視回應，吸引力在兩人之間流轉不息。這幅畫不僅展現純真的愛情，也暗藏一絲偷情成功的興奮感，讓觀眾不禁沉浸於這浪漫微妙的氛圍中。

胡琮淨指出「鞦韆」也是個隱喻符號。如18世紀洛可可（Rococo）名家福拉哥納爾（Jean-Honoré Fragonard）的〈鞦韆〉所展示的法式享樂主義的調情趣味。畫中一位貴族青年半躺在草地上，目光追隨鞦韆上優雅搖曳的少女。少女裙擺若隱若現，青年則毫不避諱的大飽眼福。福拉哥納爾藉由鞦韆擺盪捕捉欲拒還迎的曖昧情趣，暗喻貴族社會無法開誠布公的一面。〈鞦韆〉雖不在本次展品陣容中，卻也給解讀〈春光〉增添深度及趣味。